Arti, cinema e spettacolo

L’ambiente acquoso, semplice acqua o soluzioni acquose tamponate con eventuale presenza anche di tensioattivi, chelanti o enzimi, rappresenta un importante approccio ad operazioni che con la terminologia tradizionale definiremmo “di pulitura” di opere policrome, ma che ormai è tempo di definire con maggiore precisione, visto che si può trattare di operazioni profondamente diverse: pulitura della superficie dallo sporco di deposito oppure rimozione di sostanze filmogene applicate con diversa funzione (vernici e strati protettivi, residui di adesivi e consolidanti, ritocchi e ridipinture). L’ambiente acquoso affronta alla radice il problema della tossicità dei materiali, e mette a disposizione un maggior numero di “parametri di controllo”, come il pH, le concentrazioni, e la conducibilità. Attraverso i quali spesso l’intervento può essere reso meno aggressivo e più selettivo.

Nel terrificante videogioco Bloodborne, folli orde e creature da incubo si nascondono dietro ogni angolo di una città gotica piena di orrori. Questo artbook raccoglie l'essenza di uno dei titoli più venduti di sempre diventato un vero e proprio classico per Playstation 4, con concept dei personaggi, gli studi delle creature che rendono vivo il mondo di gioco, le aree esplorabili, armi, oggetti e altro ancora.

Estratto del catalogo della mostra allestita a Firenze (Museo Nazionale del Bargello, 23 settembre 2021 - 9 gennaio 2022) e dedicata alla complessa percezione della figura di Dante e della Divina Commedia nel contesto letterario e artistico tra Otto e Novecento. Il volume riproduce una selezione di opere che, dalle correnti naturaliste agli influssi europei del Simbolismo, narrano lo straordinario catalogo di immagini – sublimi, mistiche e oniriche – che il poema dantesco offriva al mondo dell’arte.

La natura del rapporto fra architettura e paesaggio diventa strumento evocativo per nuove modalità di partecipazione. Esponenti di primo piano del Razionalismo italiano, impegnati nel campo della progettazione alle diverse scale (l'oggetto, l'edificio, la città e il territorio), Luigi Figini (1903-1984) e Gino Pollini (1903-1991) hanno costituito il sodalizio più duraturo e produttivo di quella fase storica che ha visto l'architettura italiana affermarsi nel dibattito internazionale tra gli anni Trenta e il secondo dopoguerra. La collaborazione con Adriano Olivetti, avviata già negli anni '30, segna uno dei periodi più significativi di questa esperienza. Nell'insediamento che Adriano Olivetti vuole a Ivrea intorno all'idea di città-fabbrica ispirata ai principi del Movimento Comunità, Figini e Pollini realizzano diverse opere. Tra queste, l'asilo-nido (1939-1941) costituisce una tappa fondamentale di una ricerca sulla relazione tra Natura e Architettura. L'edificio, un volume elementare interamente in pietra, è caratterizzato da un articolato sistema di patii e loggiati che crea un sistema di relazioni tra ambienti interni e paesaggio circostante, quest'ultimo modellato con grande sensibilità per i caratteri del sito originario. Il volume approfondisce un aspetto inedito del lavoro di Figini e Pollini: la continua ricerca di una relazione, allo stesso tempo fisica e simbolica, tra natura e architettura.

Vases presenta pezzi unici di artisti e designer indipendenti di oltre 35 paesi. L'ambizione di presentare un così grande numero di pezzi che da soli esprimono quanta creatività e diversità possibile realizzare su un singolo tema.

Quanto valevano un dipinto o una scultura rispetto a un arazzo o a un oggetto di uso comune? Un artista era libero nella sua creazione? Quali erano i suoi rapporti con il committente? Quali erano le sue fonti di ispirazione? Insomma, come prendeva forma un capolavoro? La storia economica dà risposte sorprendenti rispetto alla sensibilità di oggi: il Ritratto di due cani di Jacopo Bassano, conservato al Louvre, vale la metà di un paio di guanti "da signore" e quasi mille volte di più valgono gli splendidi cristalli incisi di Valerio Belli, dei Musei Vaticani. La pittura è al fondo della scala dell'arte, ben meno costosa dei ritratti in marmo o degli arazzi, mentre la rarità delle opere antiche moltiplica il loro valore. I curatori ci raccontano cinquant'anni di vita artistica nella terraferma veneta, dal 1550 alla fine del secolo, con uno sguardo particolare su Vicenza, i suoi artisti Andrea Palladio e Jacopo Bassano, Alessandro Vittoria e Paolo Veronese. È un momento in cui l'arte veneta è investita dall'impatto rivoluzionario di Raffaello e Michelangelo, che scardinano le scuole regionali proponendo un linguaggio nuovo, che trionferà in tutta Europa nei secoli successivi. È il linguaggio del Rinascimento italiano, la "maniera" di Giorgio Vasari. Il cambiamento è repentino e coinvolge committenti e artisti. Gli artisti diventano più visibili nella società e scalano i ranghi sociali. Di arte si parla non più solo in ristrette cerchie di specialisti ma in libri che hanno circolazione presso un pubblico più vasto di amatori e collezionisti. Le discipline si caratterizzano sempre di più e le botteghe si strutturano con modalità di produzione sempre più efficaci al fine di aumentare la produzione di opere. Nasce il "mercato dell'arte".

Cento anni fa, nel 1921, Giuseppe Maltauro fondava a Recoaro la propria impresa di costruzioni, rilevando le attrezzature e le attività di una piccola cooperativa di cui faceva parte. Nel corso di circa trent'anni l'azienda crebbe fino a diventare una delle presenze più solide e prestigiose nel settore delle costruzioni, non solo in Italia. Oggi, il Gruppo icm è una realtà di livello internazionale, in grado di competere in Europa, Africa e Medio Oriente, grazie alla sua capacità di innovazione tecnologica e organizzativa. Un libro celebra oggi il centenario dalla fondazione, ripercorrendo non solo le tappe principali dello sviluppo dell'impresa, ma soffermandosi anche sulle persone che si sono spese per la sua crescita e per il suo successo. L'amore per il lavoro, il gusto della battaglia e della sfida, il piacere dei traguardi raggiunti, ma anche la resilienza, lo spirito di sacrificio, il coraggio e l'umiltà di confrontarsi sempre con gli altri, sono stati i valori fondanti di questo lungo percorso di successo.

Piero Dorazio (Roma, 1927 - Perugia, 2005) è una figura fondamentale nell'arte della seconda metà del XX secolo: questa monografia è dedicata alle sue relazioni con il movimento internazionale Zero, una rete di artisti europei che alla fine degli anni cinquanta intendevano superare l'identità gestuale e soggettiva dell'Informale per stabilire un rapporto più oggettivo e diretto dell'arte con il mondo. Dorazio si afferma precocemente come pioniere dell'astrazione del secondo dopoguerra grazie alla ridefinizione della sua tecnica pittorica, che attribuisce un nuovo significato a luce, colore, spazio e struttura. Parallelamente e in dialogo con lui, vari artisti in Europa e in particolare tra Germania, Italia, Olanda, Belgio e Francia danno vita a una nuova concezione artistica, realizzando superfici monocrome, trame, griglie; ma anche oggetti che modulano, riflettono o proiettano la luce. Così luce e movimento, struttura e vibrazione diventano elementi centrali nella ricerca di artisti geograficamente distanti, di cui questa pubblicazione vuole evidenziare le connessioni. Oltre a un saggio critico, il libro riporta una significativa selezione di scritti dell'artista, preziose fotografie e documenti d'epoca in larga parte inediti, una mappatura iconografica selezionata di opere di Dorazio storicamente legate al tema e un'appendice bio-bibliografica.

Questo volume rappresenta un'indagine sulle valenze simboliche e immaginifiche dei treni attraverso l'arte, la grafica e il design: icona di modernità, il treno è stato ed è un luogo di relazione, scambio e commercio, ma anche di incontro e confronto tra culture, linguaggi e idee. Il tema è affrontato con diversi approcci grazie ai contributi di Stefano Maggi, Luigi Sansone, Mario Piazza, Roberto Scanarotti, Clive Lamming, Nicoletta Ossanna Cavadini, Remigio Ratti, Michael Robinson e alle schede curate da Sandro Guggiari, Gianfilippo Sansone Usellini, Susanne Hofacker, Raffaella Piccioni. La mostra e il catalogo indagano, in una visione tematico-cronologica, come il trasporto ferroviario abbia creato le basi per la crescita della società e dell'economia industriale e al tempo stesso abbia fornito suggestioni al mondo dell'arte nell'accezione più ampia del termine. Si scopre così il fascino esercitato dal treno e dalle locomotive sui Futuristi nelle opere "parolibere" di Filippo Tommaso Marinetti, Giacomo Balla, Umberto Boccioni e Fortunato Depero. Sul fronte del design l'età dell'oro delle locomotive a vapore della Belle Époque è coronata dalla realizzazione dell'Orient Express e dalle raffinate carrozze della Compagnie Internationale des Wagons-Lits, dove l'arredo è concepito per garantire comfort e bellezza. Si possono così ammirare le migliori espressioni del Liberty e dell'Art Déco nei lussuosi interni di René Prou, Suzanne Lalique-Haviland e René Lalique. Viene inoltre indagata la comunicazione visiva nei manifesti di rinomati artisti quali Cassandre, Leopoldo Metlicovitz, Gabriele Chiattone, Frederic Hugo d'Alési, Emil Schulthess, Rafael de Ochoa y Madrazo o ancora Jean Raoul Naurac, Willi Trapp, Hans Erni, Paul Gusset, Augusto Giacometti e Salvador Dalí. L'arte grafica legata ai treni è documentata da bozzetti, locandine storiche originali e, a complemento, cartoline e dépliant, orari ferroviari e menu, calendari e almanacchi, fotografie vintage e monete commemorative. Il tema del design è proposto infine attraverso oggetti iconici creati appositamente per il treno.

Serafini, Cherubini, Virtù, Arcangeli e Angeli. È Dante a fare da guida alla scoperta del Paradiso, con le sue gerarchie, in un viaggio artistico concepito sulla base della Divina Commedia, nell’anno delle celebrazioni per il settimo centenario della morte di Alighieri. In questo periodo di emergenza, in cui scienza e preghiera si sono spesso intrecciate, gli angeli sono tornati tema di piena attualità, anche come risposta ai molti interrogativi e bisogni di oggi. E come oggetto di riflessione. Prendendo le mosse da antichi testi della religione cristiana e di quella ebraica, alla base anche della Commedia dantesca, Lidia Bachis dona corpo e colore alla gerarchia celeste, in un percorso per immagini che spazia tra arte e filosofia, dalla Bibbia a sant’Agostino, da Dante a Goethe, toccando più pianeti e “armonie”. Ecco allora i Serafini, i più vicini a Dio, che risiedono nel cielo supremo. Poi i Cherubini, a difesa del giardino dell’Eden. E i Troni, che rappresentano la giustizia, le Dominazioni, esercito dell’Apocalisse, le Virtù, che simboleggiano il coraggio. E così via, fino ad arrivare agli Arcangeli, presenti nelle religioni cristiana, ebraica e musulmana. Non solo. Alle figure antiche se ne aggiungono altre nuove, riletture moderne di canoni classici, portati nella contemporaneità. Un viaggio alla scoperta del Cielo. Di ieri e di oggi.

Un libro rivolto ad un pubblico di studenti, che affronta argomenti complessi utilizzando un linguaggio semplice e sintetico, corredato da numerose immagini e indicazioni bibliografiche. Il racconto del design italiano degli ultimi quarant'anni attraversa crisi economiche e ambientali, trasformazioni del mercato, dell'organizzazione aziendale e dei sistemi produttivi. In questi passaggi epocali, l'identità del design italiano sembra rischiare di soccombere e di estinguersi come un panda sorridente, ben nutrito, ben voluto eppure fragile. Mostra però di saper ritrovare nuovi equilibri e nuovi ruoli adatti a sfide sempre più impegnative.